Rigore geometrico e sensibilità si fondono nell’opera di Monica Mazzone. L’artista ha scelto un linguaggio logico come strumento per ordinare visivamente l’esperienza concreta dell’incontro tra sé e il mondo. La sua è una geometria sensibile, fatta di solidi disegnati a mano in proiezioni assonometriche, così come a mano in progressive e impalpabili velature è steso il colore che controbilancia la severità del segno alla ricerca di un’armonia tra emotività e razionalità. Utilizzando scultura e pittura, tra le quali c’è un’assoluta soluzione di continuità, Monica Mazzone sublima nell’astrazione geometrica la relazione che lega indissolubilmente il suo corpo all’ambiente. La costruzione formale dà ordine alla casualità dell’esistente e alle emozioni in una inesauribile tensione verso un’ideale di perfezione che, per l’artista, coincide con l’aspirazione a una dimensione spirituale, intesa in una prospettiva laica di conciliazione degli opposti. Intento che si esplicita nel titolo scelto per l’opera qui esposta “Sono l’aquila che apre le porte”, una citazione dalle metafore tradizionali tibetane, che allude al passaggio ultraterreno: l’aquila e il colore verde sono entrambi simboli di rigenerazione e rinascita. L’opera, olio su tavola incastonato in una cornice di alluminio, richiama le tradizionali edicole votive (un ricordo infantile dell’artista) che storicamente costellavano il territorio urbano e rurale, emblema di una religiosità diffusa e condivisa, ma anche segni riconoscibili di orientamento nel paesaggio erratico. Anche il contemporaneo tempietto di Monica Mazzone, presenza desueta e quasi incongrua nel mezzanino della stazione ferroviaria, si pone come un elemento che apre un varco verso una dimensione contemplativa nella frenesia del passaggio, un segno di riconoscimento che apira alla riappropriazione di un nonluogo. 

Rossella Moratto

Giacomo Spazio è grafico, musicista, produttore, giornalista e artista. La sua creatività travalica la specificità dei linguaggi e il suo modus operandi rimanda alla musica e alla pratica del campionamento. Un cut&mix&paste di riferimenti complessi: i suoi squillanti dipinti sono un incrocio bizzarro di cultura pop, poesia e controcultura punk. Questo miscuglio ibrido di codici stilistici, originato per lo più da foto che lui stesso scatta a libri, fumetti, giornali, muri di strada, copertine di dischi, rende il suo lavoro stratificato di sottili citazioni che immediatamente sorprendono per la loro forza comunicativa, ma subito dopo fanno emergere una poetica a volte candida, mite, altre volte, cinica e spregiudicata, ma sempre in grado di porre in discussione la nostra percezione della realtà. Nonostante siano passati oltre 30 anni dall'inizio della sua attività il segno e la parola rimangono ancora la forza trainante dei suoi lavori. 
Rossella Moratto

«Da sempre la parola è un elemento distintivo del mio lavoro e, in questo caso specifico, addirittura travalica l'idea stessa di quadro, precipitando, grazie alla possibilità offerta dalla tecnologia, verso una Enciclopedia dell'arte moderna, la mia personale enciclopedia e, per estensione, l'enciclopedia di ognuno.  Per creare questa semplice scrittura complessa, ho lavorato solo con elementi recuperati dalla metà degli anni '70 ad oggi. Li ho arbitrariamente prelevati dal cinema, dalla musica, dall'arte pop, dai videogiochi e molto spesso anche dalla strada. Passando impunemente dal lettrismo, al punk, dal post-situazionismo all'Hip-Hop. Questo potente mix di linguaggi oggi gioca con la memoria del fruitore e mette in atto la sua potenza pervasiva, creando rimandi estetici in grado di formare automaticamente ricordi emotivi attraverso la sua visione. Se molti artisti guardano al passato remoto per avere una continuità artistica, il mio sguardo appartiene ad un ad un passato che è ancora vivo e presente e che a volte appartiene al giorno prima. 

Questo lavoro potenzialmente è infinito ma per il momento è sviluppato in 50 pezzi –di cui quattro qui in mostra – per una lunghezza totale di 15 metri per 1,20 di altezza. È stato ispirato dalla canzone ‘Lungo i bordi’ del gruppo art-rock Massimo Volume».   

Giacomo Spazio 

Piante, foglie e fiori: frammenti di natura in un interno. Una tenda fa da sfondo a un dipinto: un ambiente domestico paradossalmente in vetrina, uno spazio privato messo alla ribalta del pubblico passaggio. Non sappiamo cosa accadrà, vediamo solo la scena: un idilliaco fondale di fogliame che si intravede dietro la tenda, fiori rosa in primo piano. 

La natura sembra essere protagonista per Francesco Ciavaglioli che la elegge a soggetto prediletto e pretesto per l’esercizio di una pittura che, nonostante l’apparente legame con la tradizione, è assolutamente figlia del nostro tempo. Una natura “umana” come l’artista stesso la definisce perché riprodotta e ricreata dall’uomo e mediata dalla tecnologia digitale. Le piante, le foglie e i fiori di Ciavaglioli non sono esempi dell’immensa e sorprendente varietà delle specie vegetali raffigurate nell’inesauribile sforzo di classificazione dell’illustrazione botanica ma sono dettagli sintetizzati graficamente in eleganti figure bidimensionali, replicate serialmente fino a formare una inedita flora, un paesaggio artificiale addomesticato e modulabile che sottintende criticamente l’attitudine dominante e predatoria dell’uomo sulla natura. Ma Ciavaglioli riflette soprattutto sullo specifico della pittura che, apparentemente mimetica, si pone al limite della figurazione mettendo in questione il significato stesso della rappresentazione. Il vero soggetto è la riproducibilità dell’immagine che, nell’infinita inflazione dell’identico, esprime da un lato la tensione verso la dissoluzione per eccesso e dall’altro il desiderio di un impossibile tentativo di appropriazione che possa fermarne l’inevitabile transitorietà. 

La natura lascia quindi il primo piano e diventa sfondo, una carta da parati intercambiabile, scenario di vicende altrettanto intercambiabili di una commedia quotidiana in cui tutto sembra scorrere come queste immagini raffinatissime, seducenti metafore della condizione umana contemporanea.
Rossella Moratto

Per Clara Luisellil’esperienza estetica è un atto di conoscenza del reale, dell’altro e di se stessi. Lavora intorno agli accadimenti della vita quotidiana spesso apparentemente trascurabili, che si fanno metafore dell’impermanenza, della mutazione e della fragilità dell’esistenza. L’opera nasce e vive nella relazione con l’altro. Tentativi (2022) è un ricamo che richiama antiche memorie e disegna una mappa immaginaria. Segni come strade che portano all’incontro con Giuseppe Jos Olivini che li fa propri, riscrivendoli come partitura. ariAdnæ è una cartografia sonora in cui “le tracce dei cammini si aggrovigliano e si annodano, poi si sciolgono nella voce delle corde, dei fili”. I suoni sono un’onda che “sommerge i rumori, che riemerge tra rumori, che ne è erosa, che li elide” mescolandosi al vissuto  quotidiano e accompagnando lo spettatore nel suo percorso. 
Rossella Moratto

Tentativi

Tessuti di lino quadrati, sospesi attraverso sottili filamenti.

Alcuni chiusi, quasi accartocciati, altri cercano di sbocciare, di dispiegarsi.

Sulla superficie sottili tracce che paiono evocare mappe di pianeti immaginari, isole sfaccettate, luoghi del desiderio.

In origine erano tessuti tesi, bianchi, vuoti, luoghi di silenzio, spazi in attesa di un significativo atto creativo.

Un'azione semplice, “stropicciare” il tessuto, permette alle tracce di emergere dal nulla.

Il gesto di accartocciamento offre l'opportunità ai segni di sorgere e diventare visibili attraverso il gioco di luci e ombre.

Il filo ricama la geografia immaginaria, in parte suggerita dalla materia stessa e in parte frutto della scelta artistica.
Clara Luiselli

 

Giuseppe Jos Olivini – 0ortanub0

ariAdnæ 

Un tentativo di cartografia sonora 

Il labirinto si apre al suo passaggio. Il suono introduce, conduce, cuce. 

Le ragnatele geometriche di binari, linee, passaggi, le traiettorie di passanti, passi, sguardi si incontrano col f-i-l-o-d-i-A-r-i-a-n-n-a. 

Dal gesto a stringere di una mano attorno a un mondo a due dimensioni, nasce la terza e il tracciato diviene mappa per altri tentativi di viaggio. 

Nell’ abbraccio tra passi cuciti e rulli forati tintinnano le voci di un bosco, inaccessibile nel suo rigore, voci che accolgono nuovi canti sospesi. 

Le tracce dei cammini si aggrovigliano e si annodano, poi si sciolgono nella voce delle corde, dei fili. 

La selva sonora è onda che sommerge i rumori, che riemerge tra rumori, che ne è erosa, che li elide. 

Il labirinto è piccolo e armonico.
Ci si può perdere trovando la strada o (ri)trovarsi perdendola. 
Giuseppe Jos Olivini
 

www.giuseppejosolivini.weebly.com 

https://www.facebook.com/0ortanub0 

https://www.instagram.com/0ortanub0/ 

Ascolti 

Sulla piattaforma Soundcluod è possibile ascoltare una selezione di composizioni, soundscapes e creazioni sonore realizzate tra il 2018 e il 2023. 

https://soundcloud.com/user-663336046-861074070 

Realizzato nel 1981, in pieno clima di recessione economica e crescente tensione serpeggiante in UK sotto il governo della Lady di ferro Margareth Thatcher, il manifesto, uscito con la ristampa dell'album dei Crass The Feeding Of The 5000, è quasi profetico, anticipando la guerra delle Falkland che sarebbe scoppiata l'anno seguente. 

Your Country Needs You  riprende il noto manifesto propagandistico britannico di reclutamento per la Prima Guerra Mondiale ma qui Vaucher trasforma l'autoritario dito puntato verso il potenziale volontario in una mano carbonizzata appesa al filo spinato. Un memento mori che svela la violenza e l'orrore della guerra celate sotto al messaggio patriottico. 

Convinta della potenzialità delle immagini come strumento di denuncia e di presa di posizione politica e sociale, Vaucher ha sempre prediletto scelte iconografiche incisive e radicali trattate con attitudine  dissacrante  per dichiarare la sua  visione femminista, antimilitarista e antimperialista. La sua critica all'esistente si esprime visivamente con uno stile grafico sperimentale e immagini crude realizzate però con una tecnica raffinatissima: i suoi lavori iperrealisti, che a prima vista possono sembrare collage fotografici, sono in realtà dipinti a mano con chine, matite e pennelli e con un'attenzione miniaturistica ai dettagli. 
Rossella Moratto

Cosa raffigura un ritratto? L’effige di una persona, così come l’artista l’ha pensata e realizzata in un dato momento, una visione parziale, un aspetto della nostra personalità. Margherita Mezzetti indaga la complessa costruzione dell’identità in ritratti composti da più lavori che raffigurano dettagli del soggetto – parti del corpo reali o immaginarie, abbigliamento – utilizzando diversi media (pittura, scultura, fotografia).
Evoca una storia per immagini che emergono come memorie dall’inconscio, frammenti che si ricompongono in un racconto fantastico allusivo e indefinito “intorno” al soggetto che ognuno può ricostruire a suo modo, consci che siamo “uno, nessuno e centomila”, perennemente riflessi nello sguardo dell’altro.
Il ritratto travalica così la dimensione personale fortemente presente – i modelli sono parte della cerchia dell’artista, amici o semplici conoscenti – per diventare generazionale. So soft and uncompounded is this Heart of Stone (2022) è parte di una galleria di fisionomie e di storie, come quella di questa ragazza di cui nulla sappiamo per certo: angelo o demone, sempre sfuggente, che testimonia il suo essere molteplice. Un’identità non più univoca che ha superato il tradizionale concetto umanistico di personalità per una soggettività complessa, contingente e fluida, sempre più disincarnata.
Rossella Moratto

“L'opera è un layer che nasconde la realtà retrostante della vetrina, formato da un impasto di materiali appartenenti alla Natura: terra, ruggine, carbone, muschio. Con la sua identità si trasforma la realtà e quello che con sorpresa potrebbe essere celato dietro di essa. L'inatteso, il sospeso, il non lineare, la Contemporaneità del quotidiano in cui tutto potrebbe essere chiaro e che invece spesso così non è." (Lorenzo Guzzini)

La trama materica con cui Lorenzo Guzzini ricopre la vetrina trasforma lo spazio abitualmente vuoto, disponibile e neutro del display in una presenza autoreferenziale, indifferente e muta, quasi ingombrante, che si impone rivelando solo se stessa. Una configurazione inafferrabile ed enigmatica che ci interroga sulle nostre abitudini e aspettative legate ai luoghi che quotidianamente attraversiamo. Nello stesso tempo Guzzini sposta l’attenzione sull’entità fisica della materia informe al suo grado zero – materia prima, appunto –, campo di forze dove avvengono spontanee concentrazioni e rarefazioni interne e incontrollabili trasmutazioni. Uno spazio caotico, senza un centro, luogo di accadimenti e possibilità in espansione potenzialmente infinita, riflesso microcosmico dell’universo.
Rossella Moratto

SUBPLACE inaugura lo spazio-vetrina nel mezzanino della Stazione del Passante Ferroviario di Villapizzone con la videoperformace di Clara Scola minuti di scomodità n.1.

La stazione di Villapizzone è uno snodo importante del trasporto suburbano e regionale, utilizzata da migliaia di pendolari che gravitano giornalmente su Milano per ragioni di studio o lavoro. Il pendolarismo è fenomeno sociale che influisce pesantemente sulla vita delle persone, costringendole a ritmi e dinamiche che spesso provocano stress e stati di nervosismo elevati. È una condizione che impone adattamento, capacità di sopportazione, determina ritmi di vita, espone all’imprevisto, ma è anche spazio di socialità.

minuti di scomodità n.1 di Clara Scola, vede protagonisti quattro performer che mettono in scena una danza muta in un vagone del passante ferroviario diretto a Varese. Il loro unico scopo è quello di ricercare incessantemente una situazione di comodità, tanto utopica quanto impossibile da ottenere. Per tutta la durata del viaggio incastrano i loro corpi nello spazio ristretto dei sedili, sperimentando posizioni di costrizione fisica ai limiti del contorsionismo. Ogni spostamento viene ritmato esclusivamente dai rumori del treno in movimento, palcoscenico ideale della paradossale parodia atletica del viaggio suburbano quotidiano, tra incubo ad occhi aperti, virtuosismo fisico e body art.
Rossella Moratto