Come dichiarazione programmatica di intenti, il manifesto ha attraversato il Novecento in quanto strumento essenziale di autodefinizione per avanguardie artistiche, letterarie e politiche. Compostpunk, collettiv* apert* e trasversale, riprende questa pratica interrogandosi su come sia possibile dare forma alle identità fluide e interconnesse che lo compongono e alla sua pratica artistica concepita come un’intra-azione collettiva nell’attuale contesto in costante trasformazione. Liberamente ispirat* dalle suggestioni del pensiero di Haraway, Butler e Barad, Compostpunk sperimenta concretamente la possibilità di tracciare i contorni della sua operatività multiforme e transdisciplinare attraverso manifesto seppur celato // celato seppur manifesto, progetto in progress aperto alla partecipazione di chiunque voglia contribuire al processo. Grazie a discussioni agentive, gesti pratici e azioni performative, il manifesto diventa uno spazio dinamico in cui l’arte è vissuta come pratica relazionale e processuale. Il risultato, tuttavia, non è scontato: potrebbe culminare in una enunciazione teorica, in un’opera verbovisiva esposta nella vetrina di SUBPLACE o, al contrario, nella consapevolezza della sua impraticabilità. Compostpunk elabora il manifesto non come punto di arrivo ma come laboratorio critico. Esplora nuove modalità di collaborazione e stimola una riflessione sul significato del fare arte oggi, ridefinendo i ruoli dell’artista, del critico e dello spettatore.
Rossella Moratto

manifesto seppur celato // celato seppur manifesto si articola in tre incontri aperti che avranno luogo presso la Biblioteca Villapizzone, via Rosina Ferrario Grugnola, 3 20156 Milano:

mercoledì 18/12/2024 dalle 17.30 alle 19.30

Presentazione dei materiali esposti nella vetrina di SUBPLACE 

mercoledì 15/01/2025 dalle 17.30 alle 19.30

Discussione aperta sulla realizzazione di un manifesto, per riflettere sulle motivazioni e metodologie di ricerca 

mercoledì 22/01/2025 dalle 17.30 alle 19.30

Incontro conclusivo: verso un manifesto?

 
Questa riflessione attorno al manifesto nasce da una domanda coscienziale. Cercare di dare una forma, una descrizione al nostro operare collettivo. Da qui l’esigenza di riflettere sulla possibilità di provare a creare un’ipotesi di manifesto per Compostpunk. Un manifesto non solo teorico ma anche connesso strettamente all’operatività artistica del gruppo. 

Una volta chiarita l’esigenza e l’interesse di pensare a un manifesto per il collettivo è sorta subito una seconda questione. In che modo definire il concetto di manifesto? Ritroviamo nella sua tradizionale struttura la nostra capacità di creare e pensare come gruppo? 

Ogni membro del collettivo, quindi, ha intrapreso una ricerca personale per rispondere, con parole e immagini, a questo dubbio. Un primo passo verso la proposta di un manifesto collettivo. 

Il momento della ricerca trae la sua essenza dalla partecipazione. Solo così facendo si possono raccogliere il maggior numero di dati della realtà a noi circostante. Ovviamente ciò non deve limitarsi ai membri del collettivo. Gli incontri che si terranno dopo il vernissage metteranno in primo piano i punti di vista degli invitati e del pubblico (non solo spettatori). 

Si tratta di un’operazione processuale che si basa sulla rielaborazione continua della matassa centrale. Una variazione perpetua sul tema del manifesto. Formalmente trovandoci in un luogo deputato all’arte contemporanea ci siamo appropriati, da brave muffe, della forma vernissage-mostra/evento-finissage. 

Nel vernissage saranno “manifesti” i fili di molte delle infinite, e possibili, ricerche. Alcune di queste impegneranno il collettivo per oltre un mese fino al momento del finissage in cui i nodi verranno al pettine. Un progetto che mira alla possibile creazione di un manifesto squarciato, privo di dogmi e curioso nella sua sfrontatezza.
Compostpunk
Compostpunk è un* colletiv* apert* il cui  scopo è collaborare per accumulare conoscenza 

Vogliamo stare a contatto con il problema è per farlo creare un sistema di supporto reciproco, di parentele postumane, partendo dai territori che ci circondano e in cui viviamo; riqualificare lo sguardo su ciò che da sempre era sotto i nostri occhi, ma che non vedevamo, convint* che ciò che stavamo cercando fosse altrove, lontano.

unk

Compostpunk è un* collettiv* apert* che nella ricerca transmediale cerca di costruire una ragnatela di conoscenze condivise. L’esperienza del gruppo si è declinata in varie pratiche agentive radicate nei concetti di alterità, marginalità e liminalità al fine di costruire nuove parentele postumane. Queste operazioni, insieme intellettuali e politiche, sono state accolte in spazi eterogenei: dai cicli di letture agentive presso la Biblioteca di Castiglione Olona all’incontro divulgativo “Queering the Cinema” (in collaborazione con Filmstudio 90, Varese). Tra i lavori performativi: “Nessun mondo umano”, all’interno dell’esposizione temporanea Babylon (spazioSERRA), e “Natura morta con natura”, installazione site specific per il Festival della Biodiversità 2024 al Parco Nord di Milano.

www.instagram.com/com_post_punk 

Architetto di formazione, Devis Venturelli ha sviluppato verso l'architettura un approccio visionario e destrutturante, basato su strategie di straniamento poetico e su pratiche di intervento minimali volte a ridefinire semanticamente i contesti in cui opera. Alla solidità monolitica e alla durevolezza dell'architettura tradizionale, l’artista contrappone la fluida precarietà dei suoi Objets d’Amour, realizzati con materiali di scarto e configurati come elementi di una architexture in perpetua metamorfosi. La costante tensione destabilizzante che attraversa l’intera produzione di Venturelli si manifesta nella sua attenzione all'obsolescenza, alla mutevolezza e alla resilienza intrinseca degli oggetti e dei materiali – in particolare i tessili, prediletti per la loro dimensione soffice e flessibile – che si fanno specchio dell’instabilità ontologica del mondo contemporaneo. 

Epigoni è, in questo senso, un'opera esemplare, descritta da Venturelli come «una riflessione sul finire di un'epoca»: un insieme composito di oggetti di recupero assemblati con la tecnica tradizionale dell’annodo. Filati di lana variopinti, reti metalliche e gomme industriali si uniscono in una configurazione aperta, percettivamente mobile, un “non finito” che sembra essere sul punto di disfarsi o di proliferare verso nuovi territori e possibilità. Maschere totemiche dalla potenza evocativa primordiale, seducenti nella loro sovrabbondanza barocca, si impongono come muto monito all’oblio del passato, alla perdita dei saperi, delle pratiche artigianali e del senso profondo che le legava alla vita umana. Venturelli mette in scena una condizione di perenne instabilità e trasmutazione, in cui la solidità apparente viene costantemente sovvertita e riarticolata, rivelando un discorso più ampio sulla temporalità e la frammentazione della contemporaneità.
Rossella Moratto

"Epigoni" è una riflessione sul finire di un'epoca. Le grandi maschere realizzate con filati eterogenei secondo la tecnica dell'annodo sono veri e propri "monstra" ovvero pastiche discronici che uniscono la manualità atavica con resti industriali di rete metallica e gomma. Gorgoni apotropaiche ammoniscono in un agglomerato nubiforme sull'oblío  epocale che investe la tradizione di trame tessili.  L'esito decadente dà vita a feticci che lasciano scoperte bocche silenti.
"Epigoni" evolve dal progetto ad oggi in progress "Objets d'amour" in cui per alchimia oggetti trovati ed esausti informano una superficie tessile che registra sommovimenti e dinamismi all'interno di palinsesti scultorei. Il tema dell'oblío di pratiche di auto-costruzione implicite nella tradizione culturale è mio ambito di interesse nella dicotomia tra inerzia e movimento in un montaggio composito di forme per loro natura incongrue che esplorano nuovi territori di possibilità.
Devis Venturelli

Devis Venturelli, artista e architetto, nella sua ricerca esplora i territori dell'architettura attraverso un linguaggio multimediale che si colloca fra video arte, fotografia, scultura e installazione. Ha esposto in musei, istituzioni, gallerie d’arte e spazi indipendenti tra cui Fabbrica del Vapore, Milano; WexnerCenter for the Arts, Columbus, Ohio; Haus der Kulturen der Welt, Berlino; Centre Pompidou, Parigi; Lincoln Center for the Performing Arts, New York; Anthology Film Archive, New York; MACRO, Roma; Kulturhuset Museum, Stoccolma; Fondazione Sandretto Re Rebaudengo,Torino; Kunsthalle, Vienna; Stadtgalerie, Kiel; Centre d’Art Santa Monica, Barcellona; Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma. Tra i riconoscimenti si citano Premio Alinovi Daolio (2019), Premio Video.it (2010), Premio Aletti (2008). Vive e lavora a Milano.
www.devisventurelli.com
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Quest’anno, per la stagione estiva, SUBPLACE propone ABSOLUTE BEGINNERS, un’incursione nella produzione dei giovanissimi presentando due mostre personali di artiste e artisti selezionati attraverso un bando di partecipazione tra gli studenti e le studentesse del corso di Pittura dell’Accademia di Belle Arti Aldo Galli di Como – IED Network, con l’intento di scoprire e dare visibilità ai nuovi talenti. I vincitori del bando di questa prima edizione sono Mattia Riccardo e Alice Vaccaro. 

Alice Vaccaro descrive con un linguaggio pittorico già formalmente maturo la fragilità, la malattia e la morte incombente, affrontando con coraggio temi rimossi della nostra società e comunemente estranei ai giovani. Le sue tele raccontano con uno sguardo discreto la dimensione dell’infermità e della vecchiaia, conosciuta e vissuta  in ambito familiare, esprimendo vicinanza empatica e affettiva al dolore dell’altro. 

Una pittura realistica, ma delicata, dai colori caldi che dimostra partecipazione e sensibilità: raffigurando la quotidianità della cura non scivola mai nel compiacimento morboso ma, al contrario, trasforma la crudezza del reale nella metafora contemporanea della Pietà.

Sentimenti e fragilità umana. Sono questi gli elementi ricorrenti nella mia ricerca artistica. Ho sempre trovato affascinante e paradossale come nella sofferenza e nel dolore, l’uomo tragga forza e appaia più vivo che mai. Punto di partenza del lavoro sono gli scatti fotografici che ritraggono i miei famigliari. 

Attraverso una ricerca figurativa, in cui il segno a matita e la sua espressività affiorano da sotto le sottili velature di colore, lo sguardo si fa schiavo del dettaglio. Si perde nelle grinze delle vesti, nelle increspature del volto, nei colori dell’incarnato e nei pattern naturali della pelle.

La pittura ad olio, con i suoi lunghi tempi di asciugatura e l’ampia versatilità, mi permette di entrare con minuzia nel particolare - che insieme cela e rivela - e sfamare, così, l’esigenza spontanea e ossessiva di approfondirne la natura. 

La palette di colori caldi e avvolgenti, rafforzata dall’elemento cromatico del fondo, appare spesso in contrasto con la drammaticità delle scene ritratte, portando chi guarda a immergersi nelle affettuose e malinconiche scene famigliari. 

La condizione umana e il suo inevitabile incontro finale con la morte. Frammenti di vita, echi del passato e un futuro incerto e confuso, è questa la realtà mostrata dai miei quadri. 

Alice Vaccaro

Alice Vaccaro (Cittiglio, 2000) ha conseguito il diploma al Liceo delle Scienze Umane di Brissago-Valtravaglia nel 2019. Inizialmente, accantonando il sogno di frequentare l'accademia di belle arti, si iscrive al corso di laurea in Scienze Biologiche. Tuttavia, alla fine del secondo anno, decide di ritirarsi per seguire la sua vera passione: la pittura. Attualmente, frequenta l'Accademia Aldo Galli di Como.
www.instagram.com/amataphegea

Fermati, torna bambino, accucciati e smetti per un attimo di prenderti (troppo) sul serio. Lascia che i confini del reale si dilatino e sarai sedotto da un’epifania improvvisa, un viso di donna, perturbante e inafferrabile, rappresentato con maniacale perfezione. Sergio Breviario è un manierista contemporaneo: raffinatezza tecnica e perizia esecutiva si uniscono all’apparente facilità di un lavoro nato, quasi per caso, da uno scarabocchio che si è sviluppato acquistando corpo, espandendo le sue eleganti valve fino a farsi bassorilievo e poi scultura-ostrica che racchiude una preziosa perla-disegno.

Un volto femminile che si dà per dettagli percepibili solo nella vicinanza dello sguardo – quello del bambino in braccio alla madre – che permette il riconoscimento ancestrale ed è, al contempo, rispecchiamento. Ma questa madre non è una Madonna, piuttosto è una strega che manifesta l’aspetto oscuro, istintuale e caotico presente nell’inconscio: potenza temibile parte della nostra natura che dobbiamo necessariamente affrontare e addomesticare per poter individuare il nostro Sé e riuscire a rivedere nella misteriosa incantatrice una figura familiare e affettuosa. E sono la familiarità, la confidenza e l’affetto a consentire a Breviario di alterare le fisionomie dei soggetti ritratti, sublimarle in paesaggi, scomporne i tratti traducendoli in astrazioni, ibridarli con citazioni storico-artistiche, offrire visioni multiple per una rappresentazione che supera la bidimensionalità e si fa viva, strizzando l’occhio, senza mai perdere la riconoscibilità in alcuni dettagli, come in questo disegno, che ritrae la moglie dell’artista. 

Bisogna avere fede, sostiene Breviario, e correre qualche rischio per vedere oltre l’apparenza quotidiana. Guardare in faccia l’opera da pari a pari, senza mediazioni, come nell’infanzia: ed è per questa ragione che questo disegno è per te, bambino (di oggi e di ieri, aggiungo) che vedi in tua madre una strega.
Rossella Moratto

 

Quanto è alto un bambino? Il 2 aprile del 2013 mio figlio Giorgio aveva solo tre anni, pesava 17,5 Kg e raggiungeva un’altezza di 100 cm. Un metro esatto. Due anni dopo, il 26 aprile del 2015, pesava 20,7 Kg e svettava con i suoi 115 cm di altezza. Nel 2017, il 16 settembre, sette anni compiuti da un po’, raggiungeva un’altezza di 130 cm. Ora non è più un bambino e non si fa più misurare né l’altezza né il peso, ma per quei bambini che oggi transitano mano nella mano con i loro nonni per la fermata Villa Pizzone del Passante Ferroviario milanese, c’è un disegno, collocato ad un’altezza adeguata, ad attenderli. Possono guardare il personaggio ritratto dritto negli occhi. 

Preambolo 

L’opera è costituita da una superficie sagomata di colore grigio, quasi nero, una sorta di pennacchio, un pettinone da cartoon piuttosto alto e snello, dove nella parte inferiore prende posto un disegno realizzato su un foglio incolore. Il soggetto del disegno potrebbe essere definito un volto. Quel volto è il ritratto di mia moglie Maria Grazia, per tutti Mari. 

Mia moglie è una strega? 

Io, come molti altri bambini degli anni ’80, sono cresciuto davanti alla televisione. Le Sitcom americane venivano trasmesse a ripetizione; girate dieci o quindici anni prima di finire nei vari palinsesti delle televisioni private del nostro paese rappresentavano comunque una novità. Vita da strega, con Dick York e Elizabeth Montgomery (la mitica Samantha) o Strega per amore con Larry Hagman (fu poi il famosissimo J.R. della serie Dallas) e Barbara Eden ci regalavano modelli educativi favorevoli a coppie stravaganti: lui umano, maschio, lavoratore indefesso, rigorosamente ingenuo, lei non ben definita ma femmina, bella, giovane, bionda e possibilmente con occhi azzurri. Nel 1980 esce la versione italiana, un film e non una serie, con Renato Pozzetto ed Eleonora Giorgi, Mia moglie è una strega, ma per quanto riguarda i contenuti non ci sono cambiamenti da segnalare: lei è bionda, bella, occhi azzurri, lui un po’ stordito e via dicendo. E voi potreste mai pensare che uno come me possa, anche solo per un instante, riferirsi al termine strega con accezione negativa? Caso mai domandatevi come io sia potuto sopravvivere a così tanta tanta tanta televisione. 

Modalità espositiva 

L’opera appare sospesa nel luminoso bianco della vetrina che la contiene a mo’ di gigantesca cornice. Lontana dalla parete di fondo come dal vetro di fronte, equidistante dai lati dal soffitto e dal pavimento, l’opera è tanto immobile da esprimere una sorta di solenne santità. Le ombre, invadendo lo spazio circostante, sono l’unico indicatore di un’effettiva presenza fisica. 

Abbiate fede. 
Sergio Breviario

Sergio Breviario (Bergamo, 1974), lavora a Milano. La sua ricerca si basa sulla verifica di sistemi espositivi che risultino essi stessi processi artistici. Oscillando fra utopia modernista e coscienza post-moderna, mette in scena meccanismi espositivi privi di certezze assolute, sperimentando un approccio partecipativo. Il disegno accompagna da sempre il processo di formulazione dell’immagine.
Dal 2003 espone in Italia e all’estero in mostre personali e collettive tra cui: Sono convinto, lei avrebbe sorriso. Mi sono convinto del fatto che lei avrebbe sorriso. Lei avrebbe sorriso, Ex Elettrofonica, Roma, 2023; Two: numbers are not important, Galleria Marie-Laure Fleisch, Brussels, Belgio, 2022; Belgio, 2022; Avrei brio, Casa degli Artisti, Milano, 2021; Bodies on stage, performances from home in the time of quarantine, Museum of Modern and Contemporary Art, Rijeka, Croazia, 2020; Nimbo o aureola quadrata e disegno di Watteaux, Ex Elettrofonica, Roma, 2019; Profili del mondo, Biennale del disegno, Museo della Città, Rimini, 2016; Vitello tonnato, Plutschow Gallery, Zurigo, 2016; The Belle of the ball, Museo d’arte contemporanea, Lissone, 2015; Drawing for Lightnings, Kunstraum t27, Berlino, 2014; Arimortis, Museo del 900, Milano, 2013; Prototipo di macchina per la conquista del mondo, Fondazione Pescheria Centro Arti Visive, Pesaro, 2012; A ruota libera, MAXXI Museo delle Arti del XXI secolo, Roma, 2011.
www.exelettrofonica.com/it/projects/sergio-breviario-2

Io disegno e dipingo perché non potrei fare altro, e soprattutto perché non so fare altro. 

Andrea Chiesi 

Andrea Chiesi inizia a disegnare giovanissimo, negli anni Ottanta: illustrazioni, volantini e copertine di dischi. Autodidatta e vicino agli ambienti underground, usa carta e inchiostro – e successivamente anche le tecniche dell’incisione – per manifestare la rabbia, la protesta e l’identità dissidente della sua generazione. I soggetti sono architetture industriali, in quegli anni già dismesse, e figure umane, rese inizialmente con tratti quasi espressionistici e con i colori cupi di un distopico no future. Successivamente il segno deciso lascia spazio al tratteggio e ai pennelli con cui l’artista modenese dipinge ritratti di architetture in via d’estinzione – fabbriche abbandonate, carroponti, gasometri – con geometrico rigore e una tavolozza di grigi e azzurri cupi, ristretta fino alla bicromia. Negli anni, la natura, che nel frattempo aveva preso possesso delle rovine, entra anche nella raffigurazione, diventando una presenza preponderante, metafora della precarietà di tutte le costruzioni umane. 

Parallelamente alla pittura, Chiesi continua a praticare il disegno, suo primo imprescindibile alfabeto, grazie al quale riflette e ritorna costantemente sul suo lavoro, come nella recente serie Il sogno del pittore: sessanta carte di piccole dimensioni (pubblicate da Cichinobrigante, Correggio, Editoria d'arte autoprodotta), in cui riprende i suoi soggetti di sempre. È un flusso onirico di immagini associate in modo apparentemente casuale (sapendo che la casualità non esiste) che segue logiche inconsce, affinità intime ed emotive. Il racconto continuo, in divenire, fatto di forme e colori (tra cui i gialli e i rossi, inediti nella sua palette), è la sintesi visiva della sua poetica che si può considerare come il coerente sviluppo di un’unica opera che ogni volta assume sembianze diverse. Un esercizio metalinguistico rigoroso e quotidiano in cui l’artista si rispecchia e che, al tempo stesso, è ricerca pittorica e pratica meditativa che permette all’interiorità di manifestarsi. 

Rossella Moratto

 

Sono disegni a inchiostro di china che scorrono sulla carta, per vie sotterrane e inconsce, dal momento che la pittura, io credo, non debba spiegare un bel niente, anzi lasciare l’osservatore un po' perplesso, confuso, perturbato. 

Un disegno dopo l’altro, con subitanei passaggi cromatici, senza evidenti connessioni logiche, senza un apparente legame di causa-effetto tra loro (e anche se ci fosse si tratterebbe di una questione privata, inadeguata a questa sede). 

Non sono sicuro che sia una ricerca: io disegno e dipingo perché non potrei fare altro, e soprattutto perché non so fare altro. 

Cerco un paesaggio che mi assomigli e lo traduco in pittura. Cerco figure che corrispondano ad uno stato emotivo e col disegno appaiono sulla carta. 

L’immagine dipinta è un varco che conduce al mondo ctonio e immateriale: attraverso i pigmenti e l’inchiostro l’anima si manifesta. 

Sfogliate le pagine e lasciatevi andare al segno e al colore, in una successione di visioni che si rincorrono. 

I miei disegni, senza alcuna storia precisa da narrare, se non il sogno del pittore. 

Andrea Chiesi, marzo 2024. 

Andrea Chiesi (Modena, 1966), vincitore del Premio Cairo della rivista Arte (2004), del Premio Terna (2008) e del Premio Gotham Prize dell’Istituto Italiano di Cultura di New York (2012), è uno dei pittori italiani più importanti della sua generazione. Analizza da anni il paesaggio contemporaneo, l’impermanenza e la vacuità, attraverso una pittura a olio su tela, profonda come una meditazione. Nei lavori più recenti indaga il ritorno della natura nei luoghi abbandonati dall’uomo, attraverso il disegno: un meticoloso tratteggio di pennarello e velature di inchiostro di china su carta. Tra le mostre personali: Natura Naturans, Galleria Monopoli, Milano (2023); Natura Vincit, Sale di Cultura del San Paolo, Modena (2021); Eschatos, NM Contemporary, Principato di Monaco (2019); City of God, Being 3 Gallery, Bejing (2015); Perpetuum Mobile, X Lab, Berlin (2011); Beyond time, Nohra Haime Gallery, New York (2009), Comunità di memorie, Galleria D406, Modena (2009). È tra gli artisti invitati alla mostra Pittura Italiana Oggi, Triennale di Milano (2023). È docente di pittura e disegno all’Accademia di Belle Arti di Brera, Milano.
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www.instagram.com/andreachiesi6

E IL TOPO è arrivato, inatteso e furtivo, come sempre sotto mentite spoglie. Si è infilato coraggiosamente nello stretto spazio della vetrina, attirato dal comodo giaciglio e dalla confortevole tana dove è stato rinchiuso a tradimento: una teca da laboratorio da dove lo osserviamo, apparentemente innocuo, rassicurati. E IL TOPO è qui, giorno e notte. Anzi innumerevoli giorni e notti, scanditi da un intervallo di cinque minuti di orologio che, appeso alla parete, convenzionalmente misura il nostro tempo nel fuso orario di Roma (UTC+1). Sdraiarsi e dormire, sedersi e vegliare: azioni consuete che sembrano insensate e incomprensibili nell’alacre flusso ininterrotto e accelerato, appartenente a un “altro” da noi. Ma il tempo non è una coordinata assoluta, è una variabile: l’improvvisa e incongrua contrazione interrompe la simultaneità temporale. E IL TOPO segue la propria, paradossale, aliena e alienante. 

Ma niente è mai totalmente estraneo, né scontato: E IL TOPO è intelligente, perfino infido all’occorrenza, destabilizza e quindi è sovversivo e può essere pericoloso. Ancora una volta ci tende una trappola: non siamo noi che guardiamo lui ma è lui che ci osserva e ci mette in scena mimando l’impietosa sintesi delle nostre vite al limite, dei nostri ritmi incalzanti nel tempo compresso che inconsapevolmente ci aliena. E IL TOPO lo sa e ride (di spalle, non visto) mentre si alza dal letto, sempre col piede sinistro. 

Un giorno di cinque minuti, una notte di cinque minuti è un’incursione che irrompe nel quotidiano senza dare spiegazioni e senza lasciare tracce: un atto di pura sovversione estetica che segue la logica divergente dell’assurdo e dell’ironia. Uno squarcio dove l’arte entra nella vita – e viceversa – dove non esistono rivelazioni ma domande: di quanti minuti è fatto il giorno? E la notte? 

Rossella Moratto

E IL TOPO nasce nel 1992 dall’idea di Armando della Vittoria, Gabriele Di Matteo, Piero Gatto, Franco Silvestro e vedovamazzei come rivista d’artista indipendente con periodicità variabile e distribuzione irregolare che pubblica progetti inediti senza interventi critici. Nel 1996 dopo l’uscita di dieci numeri più il numero zero (raccolti in E IL TOPO. Storia di una rivista d’artista con un’insolita strategia editoriale, a+m bookstore, 2023) la rivista chiude ma lo spirito topista sopravvive per rinascere sedici anni dopo, nel 2012, con una nuova redazione fatta di giovani artisti, coordinata dallo storico direttore Armando Dalla Vittoria. Nel 2014 si allarga a nuove partecipazioni e assume una fisionomia movimentista e transgenerazionale con la pubblicazione di un Manifesto in dieci punti in italiano su un quotidiano di Seoul (Corea del Sud): il rimando al futurismo marinettiano del 1909 è ironico perché E IL TOPO è pura antiavanguardia che propone un modo alternativo di fare arte caratterizzato da un’attitudine irriverente, indipendente e libertaria e da una pratica in cui autorialità collettiva, spirito di sottrazione e scambio dei ruoli sono fondamentali. E Il TOPO ha partecipato a mostre in musei, istituzioni in Italia e all’estero, in spazi indipendenti e per le strade e anfratti di molte città.
www.eiltopo.org
www.instagram.com/eiltopo

Ciò che noi vediamo, credo sia creazione, invenzione dell’artista, qualora egli sia capace di far cadere quei diaframmi, cioè quelle immagini convenzionali che si frappongono fra lui e le cose. (Giorgio Morandi)

Il paesaggio è da sempre il soggetto prediletto di Valentina D’Amaro, su cui si esercita, fedele a se stessa, fin dai suoi esordi. I suoi paesaggi partono da un dato reale ma ci vengono restituiti in rappresentazioni ideali e poetiche che trasfigurano la realtà in immagini assolute, sospese e affrancate da ogni elemento superfluo, espressioni di una dimensione che normalmente non cogliamo. La pittura presuppone lo sforzo di prescindere dalla percezione ordinaria e l’esercizio costante di restringere e affinare lo sguardo, liberandosi dalle abitudini (“i diaframmi” di cui parla Morandi) e dall’inessenziale per dare spazio all’intuizione, attraverso la quale arrivare a percepire quello che sta oltre l’apparenza fenomenica. E così un prato, una casa, uno scorcio che vediamo dal finestrino dell’auto, non sono più i luoghi sempre visti e scontati del nostro quotidiano ma riacquistano un senso profondo, rivelandosi nella loro essenza di presenze assolute, di vere e proprie icone.  

Dal punto di vista strettamente pittorico, Valentina D’Amaro ha reso il paesaggio un modello iconografico inesauribile attraverso il quale sperimentare innumerevoli possibilità formali e cromatiche, in particolare le variazioni del verde, cifra riconoscibile della sua pittura, innovando costantemente la variazione nella serie. I suoi quadri mettono in scena un gioco di rimandi enigmatico e quasi ipnotico, invitando a un’osservazione intima e contemplativa che avvicina la fruizione a un’esperienza di raccoglimento interiore. 

L’opera Senza titolo 2020, qui esposta, è parte del ciclo Switzerland iniziato nel 2007. Un’altra opera della stessa serie è presente alla mostra Pittura italiana oggi, in corso alla Triennale di Milano fino all’11 febbraio 2023.
Rossella Moratto

Valentina D’Amaro (Massa (MS), 1966). Vive e lavora tra Milano e la Lunigiana. Diplomata in Pittura all’Accademia di Belle Arti di Brera, Milano.  Ha esposto in manifestazioni e spazi pubblici nazionali e internazionali tra i quali ricordiamo: Barbican Centre, Londra; MMKK, Klagenfurt; Biennale di Praga, Praga; Hangart-7, Salisburgo; Guang Dong Museum of Art, Canton, Cina; Palazzo Reale, Milano; PAC, Milano;  Triennale, Milano; 54esima Biennale di Venezia, Palazzo Te, Mantova; Palazzo della Permanente, Milano; MAC, Lissone; Villa Reale, Monza;  PAC, Ferrara; GAM, Udine; Palazzo della Ragione, Verona; Trevi Flash Art Museum, Trevi; Museo Michetti, Francavilla al Mare; Palazzo Parasi, Cannobio; Castello Visconteo, Legnano; Palazzo Ducale, Massa. Vincitrice nel 2005 del 6° Premio Cairo, Cairo Communication. Nel 2016 il suo lavoro è stato incluso nella prestigiosa pubblicazione Vitamin P3: New Perspectives in Painting, di Phaidon.
www.valentinadamaro.com
www.instagram.com/valentina.damaro

Ago e filo: cucire è un’azione ricorrente per Eva Reguzzoni che la utilizza, contaminandola con il disegno e la pittura, su carta, foglie e naturalmente su stoffa, come in questo ultimo lavoro dove la massa caotica e proliferante dei fili si organizza in una forma definita, assumendo rilevo, per raffigurare una spina dorsale, assurta a immagine simbolica su un prezioso stendardo da processione. È l’ostensione di una personale reliquia, quella a cui assistiamo, in cui l’artista esibisce l’asse portante del suo corpo: uno sguardo rivolto all’interno, sul filo delle emozioni alla ricerca del proprio essere in una inesauribile tensione introspettiva e autoanalitica che si risolve in una pratica catartica di autocura attraverso la trasformazione del materiale grezzo. E così anche la struttura ossea si transustanzia: prende vita, si fa tronco, registrando nella propria corteccia i segni delle oscillazioni emotive mentre le emozioni si fanno linfa, trasudando all’esterno, verdi perché impregnate di forza vitale. 

La natura, per Eva Reguzzoni, è fonte di ispirazione primaria: vive vicino a un bosco e osserva il ciclo vitale degli alberi nei quali si rispecchia in quanto materia corporea in continuo sviluppo e potenzialità generativa spontanea che rinasce a ogni ciclo stagionale, un impulso che sente dentro di sé ed esterna nei suoi lavori. È un’identificazione tra se stessa e la natura che si realizza nell’ideale unione corpo e pensiero e dalla quale si genera l’atto creativo, che non è mai un fatto esteriore ma interiore, che coinvolge e modifica il sé: come scrive il filosofo Emanuele Coccia (La vita delle piante, 2021) “creare una forma significa attraversarla percorrerla con tutto il proprio essere” perché “immaginare è sempre diventare ciò che si immagina”. 

Rossella Moratto

Eva Reguzzoni (Gallarate (VA) 1965). Vive e lavora a Borgo Ticino (NO). Diplomata presso il Liceo Artistico Statale di Busto Arsizio (VA) e, successivamente, presso la Scuola D’Arte Applicata Industriale del Castello Sforzesco di Milano. È restauratrice e disegnatrice archeologica. Dal 2009 sviluppa una personale ricerca artistica indagando la propria vita interiore attraverso un importante lavoro introspettivo, sviscerato da una gestualità che alterna disegno, ricamo e ceramica, e che spesso trova nell’installazione la sua modalità prediletta. I suoi lavori profondamente intimi nascono da suggestioni tratte da momenti della sua vita, attimi che, vissuti attraverso l’esperienza emotiva e sensoriale, s’imprimono nella memoria in veste di ricordi preziosi. la sua ricerca artistica focalizzata sull’equilibrio e la precarietà. 
www.evareguzzoni.it
www.instagram.com/evareguzzoni

Un solido scuro sottosopra, in bilico tra il muro e la vetrina. La ricerca di Giuseppe Buffoli sembra negare le qualità intrinseche della scultura: stabilità, durata, massa per indagare invece  la dimensione della precarietà, del caso e del paradosso. Un mondo rovesciato, dove regna apparentemente il non-senso o meglio dove il senso – inteso come direzione, suggerimento o semplicemente intenzione – è dato proprio da questa logica divergente, antitetica al comune sentire e percepire. 

La scultura per Giuseppe Buffoli non è un atto concluso ma un accadimento, una forma aperta, che vive qui e ora e che può mutare e riproporsi in altra configurazione, sempre in equilibrio precario perché ha in sé il principio della sua distruzione. Una scultura che abita il tempo sospeso dell’attesa che precede la caduta. Tecnicamente perfetta ma intenzionalmente e potenzialmente fallimentare,  si manifesta di volta in volta come una singolarità eccentrica che è metafora della contraddizione intrinseca all’esistenza. 

Le buone intenzioni è un poliedro cavo, non ha fronte, né retro, né un punto di vista privilegiato: è una forma e una matrice al tempo stesso. Nero e opaco, non si svela al primo sguardo, è un oggetto misterioso che richiama il romboedro troncato della Melancholia di Albrecht Dürer. Ma l’evidente citazione storica qui si trasforma in altro: Buffoli ne fa un tripode che ha perso la sua malinconia e si mostra gioiosamente “a gambe all’aria”, incuneato e instabile, in procinto di cadere. È quasi uno scherzo, un atto mancato, che proprio grazie a questo “scarto” si apre inaspettatamente a nuove possibilità. L’arte è infatti lo spazio di libertà dove poter sperimentare, sovvertire le regole, abbandonare le abitudini e liberarsi delle buone intenzioni che, come scriveva Gilles Deleuze, sono necessariamente punite. 
Rossella Moratto

Giuseppe Buffoli (Brescia, 1979) vive e lavora a Milano. Nel 1997 si iscrive al corso di scultura presso l’accademia di Belle Arti di Brera a Milano durante il quale nel 2002 ottiene con l’incisione “Soprasotto” un premio all’ XI Salon Primo. Si diploma nel 2003, dopo un periodo di ricerche sulle tecniche incisorie presso una stamperia artistica a Roma, nel 2005 si trasferisce definitivamente a Milano, dove partecipa ad alcune collettive e premi. Nel 2007 frequenta il corso d’eccellenza T.A.M., nelle Marche, finalizzato al trattamento artistico dei metalli, presieduto da Arnaldo Pomodoro e la direzione artistica di Nunzio Di Stefano, durante il quale consolida la sua ricerca artistica focalizzata sull’equilibrio e la precarietà, realizzando lavori nei quali, oltre all’impiego di materiali scultorei, si inseriscono oggetti legati alla misurazione spaziale, livelle, fili a piombo eccetera. Nel 2009 prende parte alla residenza internazionale Harlem Studio Fellowship a New York (U.S.A.) dove sviluppa lavori legati al disegno con la penna a sfera. Nel 2017 partecipa al XIII Premio Cairo, tenutosi a Palazzo Reale di Milano; l’anno successivo vince il premio Weir Gabbioneta per la realizzazione di una scultura permanente da collocarsi presso la sede dell’azienda.
www.giuseppebuffoli.com
www.instagram.com/gbuffoli

Naomi Gilon è una delle artiste più interessanti di una scena emergente internazionale sempre più aperta alla contaminazione tra arte visiva, moda e design. 

La sua ricerca è incentrata sull’idea di trasformazione del corpo come strumento di costruzione dell’identità sociale. Il suo lavoro è in costante dialogo con le forme della cultura popolare, da quelle tradizionali della mitologia classica alle espressioni più contemporanee delle sottoculture giovanili. L’immaginario di riferimento è legato all’ibridazione uomo-animale tipica della narrativa fantastica, dalla letteratura speculativa al cinema horror, in cui l’incontro del corpo umano con la natura selvatica rappresenta il recupero di energie sotterranee legate all’inconscio collettivo. 

L’installazione Petrified sensitivity, presenta due sculture in ceramica grés – Amphora (2022) e Machoire (2022) –, espressione di un’aggressività animale che viene simbolicamente reintegrata e addomesticata fino a divenire attraente per via della sensualità della materia e delle forme sinuose che incarnano una nuova armonia tra civiltà ed istinto. Nelle opere di Naomi Gilon l’immaginario gotico incontra la fluidità post-internet in un ironico mash-up in cui la dimensione fantastica entra nella quotidianità anche attraverso oggetti d’uso come borse, vasi, candelabri, piatti e tazzine, avvicinandosi al design ma conservando l’unicità del pezzo unico.
Rossella Moratto 

Naomi Gilon è nata nel 1996 ad Arlon (Belgio) e vive e lavora a Bruxelles. Tra le collaborazioni sviluppate negli ultimi anni, si possono citare i marchi di moda Marc Jacobs, con il quale ha reinventato alcune iconiche borse del marchio di moda americano, e Han Kjøbenhavn, con il quale ha realizzato un abito divenuto virale dopo esser stato indossato dall’attrice Julia Fox alla festa degli Oscar.Ha esposto in numerose gallerie, spazi e istituzioni tra cui Candy Snake Gallery (Milano), Encore Brussels (Bruxelles), Kruger (Stoccolma), Galerie Fleur&Wouter
(Amsterdam, Paesi Bassi), Cdlt+ Gallery (Liége, Belgio), Kunsthal Gent (Belgio), Superchief Gallery (New York, USA), Les Galeries Louise (Bruxelles, Belgio), Subsidiary Projects (London, Regno Unito), Kingsgate Project Space (London, Regno Unito), Alice Gallery (Bruxelles, Belgio), Normaal Gallery (Bruxelles, Belgio), Diesel Project Space (Gent, Belgio), BAM (Mons, Belgio), Like A Little Disaster (Polignano a Mare, Italia), Pavillon Baltard (Paris, Francia), Les Halles Saint Géry (Bruxelles, Belgio).
naomigilon.com     
www.instagram.com/naomigilon

L’arte è un filtro per esperire il mondo, una modalità per entrare in relazione con la realtà prescindendo da ogni abitudine e idea preconcetta. I progetti di Luisa Turuani – che utilizzano video, scultura, disegno, performance e installazioni – sono occasioni per riscoprire il quotidiano oltre l’ovvietà dell’apparenza e uno stimolo per interrogarci sulle nostre azioni, sospendendo il flusso quotidiano che ci vede attori spesso inconsapevoli della nostra stessa vita. Un tentativo di conoscere se stessi e riscoprire la realtà attraverso epifanie poetiche.  

Il video Campo di grano con volo di corvi (2021) mostra una serie di semafori in azione. La quantità dei semafori e l’assenza di audio trasferiscono l’immagine dal contesto urbano a quello di un quadro astratto; i colori infatti si alternano in una danza svincolata dalla funzione per cui i semafori sono investiti. Si può quindi dire che la natura del video si avvicina più a un quadro astratto e a un’immagine dal puro carattere contemplativo. La struttura temporale fa sì che, nonostante la ciclicità di ciascun semaforo, la composizione cromatica non si ripeta mai; vi è infatti un costante sfasamento per cui, all’apparente regolarità delle sequenze, vi è il susseguirsi di un’immagine unica e vitale. La tensione tra la ciclicità atemporale dei singoli semafori e l’unicità di un’immagine che avviene in un tempo imprevedibile e indeterminabile fa sì che l’osservatore venga rapito e sospeso in uno stato di autentica contemplazione.
Rossella Moratto

Luisa Turuani (Milano,1992) è laureata in Scultura all’Accademia di Belle Arti di Brera, Milano. Ha esposto in diverse gallerie e spazi no-profit in Italia e all’estero, tra le mostre più recenti: Gaze-off, Wopart-Fiera di Lugano, Svizzera, 2022; Aspettando Ermanno Cristini, riss(e), Varese, 2022; Split step, Ex Macelli Civici, Milano, 2022; Un altro giorno felice, Casa Editrice SEM, Milano, 2022; Domani Qui Oggi, Palazzo delle Esposizioni, Roma, 2020; Travel Diary, Snark.art; 2021; Artagon Live, Villa Radet, Parigi, 2019; GQ-Passion for the path of art, Galleria Cardi, Milano, 2019; BienNoLo, Milano, 2019; Biennale UK Young Artist, Nottingham, 2019; Non sto più nella pelle, Brescia, 2019;Tirarsi fuori, Galleria P420, Bologna, 2017; Nel deserto cresce la ginestra, Galleria Renata Fabbri, 2015. Nel 2022 vince l'Italian Council, ed è tra i finalisti del Premio Laguna; nel 2020 è tra i vincitori del Premio AccadeMibact ed è tra i vincitori di Opera Viva - Il Manifesto, Torino. Nel 2019 vince il Premio Combat per la sezione video, lo stesso anno è tra i vincitori del Premio O.R.A. Nel 2018 vince il Premio Nocivelli.
www.luisaturuani.it

Osservare la natura, collezionarne frammenti, ordinarli, classificarli, nominarli e raffigurarli: fin dall’antichità l’uomo ha sentito la necessità di conoscere la natura e l’erbario (Hortus siccus) è stato il primo strumento per ordinare e dare forma all’ambiente vegetale al fine di stabilire un sistema razionale, comprensibile e riconoscibile, riflesso della nostra forma mentis. 
Anche Francesco Fossati raccoglie radici, foglie, rami, frutti, preferibilmente di specie autoctone e spontanee, percorrendo boschi e terreni incolti con l’attitudine paziente discreta e rispettosa degli studiosi botanici.  Così reperisce la materia prima con cui costruisce il suo erbario personale, un Hortus siccus dunque ma anche hortus vivus, un microcosmo vegetale in divenire, come in Substrati (2022) la scultura “vivente” qui esposta realizzata con “panetti” per la coltivazione di funghi: corpi vegetali atipici che nonostante l’interruzione del processo per disidratazione continuano lentamente la loro crescita resistente.

Un erbario vivo, mutevole che va nella direzione di una creatività che nasce dalla relazione empatica con l’ambiente in una prospettiva che fa propria la lezione di Joseph Beuys: l’arte come strumento liberatorio e di crescita in grado di «dare all’uomo una nuova posizione antropologica […] collegarlo verso il basso con gli animali, le piante, la natura così come verso l’alto con gli angeli o gli spiriti». Fossati testimonia questo legame, consapevole che lo sguardo dell’arte, nella sua dimensione sospesa, lascia intuire sensibilmente la vita che sta intorno a noi.
Rossella Moratto

Hortus siccus Hortus vivus è parte dell’omonima personale di Francesco Fossati a cura di Rossella Moratto, Surplace, Varese, novembre 2022 - gennaio 2023.

Francesco Fossati (1985) è artista visivo e forager di piante selvatiche. La sua ricerca ha come focus il rispetto della natura e la sostenibilità ambientale, realizza opere con il minore impatto possibile, ha creato eco-giardini, prodotto pigmenti e colori a olio con sostanze naturali e utilizzato pratiche di coinvolgimento sociale e manovalanze locali per la realizzazione di opere di arte pubblica, tra le quali ha dato vita a un’artoteca ecostenibile presso il Porto Museo di Tricase (LE). Ha partecipato alla mostra Solstice curata dall’artista americana Judy Chicago alla Turner Carrol Gallery di Santa Fe (NM)  all’interno del più ampio progetto Create Art for Earth lanciato da Hans Ulrich Obrist assieme a Judy Chicago e Jane Fonda. Ha sostenuto la transizione dell’Institute of Contemporary Art di Los Angeles per diventare il primo museo interamente alimentato da energia solare e nel 2020 ha iniziato una sperimentazione condivisa di colori a olio naturali di sua produzione.
www.francescofossati.com
www.instagram.com/s_francesco_fossati

Pluto è il Pluto dei fumetti e dei cartoni animati, il fedele e adorabile cane di Topolino, caso forse unico di antropomorfizzazione mancata entro l’amato universo disneyano. La preposizione “on”, descrive una dinamica di metamorfosi, di fusione asimmetrica di due soggetti: Pluto, appunto, e lo stesso Randazzo, il cui volto autoritratto è fuso, nel film di animazione, con l’inconfondibile corpo del cane. La metamorfosi parziale, in questo racconto, nonostante l’apparentemente familiarità, ha del perturbante, proprio perché crea un ibrido tra due immagini diversamente familiari, collocate a due diversi gradi di intimità, creando un essere nuovo, fatto di un'unica sostanza: un mostro, per usare il termine nel suo senso proprio. Un mostro che si presenta con le movenze e le espressioni facciali di Pluto, ma con le fattezze dell’artista, e proprio questa fusione di identità, con la sua rivelazione, è il motore della vicenda. Il mondo delle immagini è un mondo di mostri, fatto di una logica che gli è propria, entro la quale qualsiasi restrizione normativa e logica non è che un accordo tra icona e fruitore. 

Kevin McManus

Pluto on me è parte dell’omonima personale di Diego Randazzo a cura di Kevin McManus e Mariacristina Maccarinelli nell’ambito della rassegna “Scintille d’arte” VI^ edizione, Fondazione Leonesia, Pugnago sul Garda settembre- ottobre 2022. 

Diego Randazzo (Milano, 1984) vive e lavora tra Milano e Belluno. Laureato in Scienze dei Beni Culturali con una tesi in ‘Istituzioni di regia’ presso l’Università degli Studi di Milano. Da sempre animato da un interesse per il racconto e la narrazione, ha nella luce e nel movimento i suoi codici di riferimento. La sua ricerca è un viaggio sinestetico tra tecniche e modalità espressive differenti per tipologia e contesto. Inganno, percezione e rimediazione sono i concetti chiave attorno a cui ruota la sua poetica. Dal 2005 ha partecipato a numerose mostre collettive e personali e le sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private. È tra i vincitori del Premio Ora nel 2019. Sua l’installazione #Kids (2019), tributo alla tragedia dei Piccoli Martiri di Gorla che illumina la facciata di Casa della Memoria di Milano. Recentemente si è aggiudicato il Premio Speciale #arteamcuponair di Arteam e Fondazione Dino Zoli ed è finalista ad Arte Laguna Prize 2021 nella sezione arte fotografica.
www.diegorandazzo.com
www.instagram.com/diego__randazzo

Da tempi immemorabili, il camminare non è solo spostamento, attraversamento, ma è anche la prima forma di mappatura dei luoghi e di costruzione del paesaggio. Camminando si prende possesso del mondo, lo si abita e lo si racconta. Così Paola Verde, nata nello stesso anno del punk, ha attraversato con quell’attitudine le periferie urbane, gli spazi marginali dove la città conserva ancora le cicatrici lasciate dal tempo. Aree dismesse, inutilizzate, spesso sottratte alle logiche del sistema e trasformate creativamente, resti ma anche terrain vague che si aprono a nuove possibilità. 

Per SUBPLACE l’artista presenta INTERZONE un collage realizzato con fotografie risalenti a vent’anni fa scattate nell’ampia area tra i quartieri Bovisa e Villapizzone, allora un panorama fatto di edifici industriali in disuso, gasometri, case abbandonate trasformate in centri sociali, ciminiere, insegne, ingranaggi meccanici, scritte sui muri, graffiti. Tracce di una città che non c’è più, cancellate dall’ennesima omologante riqualificazione urbana. 

La fotografia di Paola Verde è solo apparentemente documentaria: il suo sguardo è partecipe, accarezza i luoghi, ne esalta i volumi e le linee ma si sofferma anche sui dettagli, sugli interstizi nascosti, restituisce l’emozione e la solitudine dei luoghi. È una fotografia di memoria, qui restituita per frammenti, rimontati e riorganizzati così come succede con i ricordi: una periferia invisibile, immaginaria ma già reale, che aleggia sopra quella attuale,  ricordo (per alcuni) e visione distopica al tempo stesso. 
Rossella Moratto

 Alla fine degli anni 90 andavo in Bovisa perché lì avevano cominciato a trasferire alcune lezioni di Architettura, specialmente i laboratori di progettazione e disegno, che poi sarebbero diventati il grande polo nuovo universitario. Mi ricordo che arrivare fino a laggiù la mattina presto era davvero un´impresa, non c era ancora il passante e si arrivava dopo un interminabile viaggio con
l´autobus che ti lasciava davanti alla vecchia stazione delle Ferrovie Nord. Ad accogliermi ogni mattina c’era la sagoma fantasma dell´ex saponificio Sirio, con le finestre vuote e i solai crollati, il tetto era il cielo e il pavimento era la terra sottostante. A volte nelle pause delle lezioni si facevano piccole esplorazioni lì attorno e si finiva sempre a mangiare cose buonissime in qualche bottega alimentare con le tende a corda marrone sull´entrata. I corsi si tenevano nei capannoni della ex Ceretti Tanfani, alcuni avevano ancora le travi in rovina e le vetrate annerite e quando la sera finivano le lezioni si aspettava a lungo nella nebbia l´autobus in una piazza deserta, passando davanti al murales per Luca Rossi. Alcune notti si tornava fino a laggiù alla ricerca di rave parties illegali in qualche capannone abbandonato dietro alla stazione. Il Malamanera invece fu occupato nel 2003 e con la sua presenza e le sue attività aveva dato un po’ di vita sociale e sicurezza a quelle strade pericolose di periferia. 

Paola Verde 

Paola Verde (Milano, 1978) si è laureata in architettura al Politecnico di Milano con Beppe Finessi e ha frequentato l’Istituto Italiano di Fotografia con Roberto Mutti. La sua ricerca si focalizza sul concetto di periferia e di confine, testimoniando gli inesorabili cambiamenti delle città metropolitane – Milano e Berlino in particolare - conseguenti ai processi di gentrificazione. Parallelamente svolge un’intensa attività artistica e culturale: a Milano ha ideato e organizzato gli happening underground Where is 101  e Where is 107 (2005) e a Berlino – dove vive e lavora dal 2009 – ha fondato XLAB Corrosive Art Farm curando centinaia di eventi tra cui la mostra itinerante The Corrosive Container (Berlino, Milano, Parigi e Barcellona). Nel 2013 ha fondato Kunst Kabinet 451  una galleria e libreria indipendente dedicata al DIY e da allora ha continuato a stampare libri e fanzine serigrafate in tiratura limitata, sotto il nome di 451 press. Le sue foto sono pubblicate su libri, riviste, fanzine e cataloghi. Ha realizzato copertine di libri e dischi e ha partecipato per tre edizioni di STROKE Urban Art Fair a Berlino, e ha esposto in numerose gallerie e spazi alternativi italiani ed europei.
www.paolaverde.it
www.instagram.com/451diy